Cuantas veces, al desaparecer alguien importante, leemos que se le define como una persona excepcional. En el caso de Jorge Rueda el calificativo no puede ser más acertado. Era un personaje muy poco común, en realidad prácticamente único. Lo fue en vida y se aseguró, tras su muerte, de seguir siéndolo.
Con el no tenían hueco las conversaciones triviales. Hablaba rápido, con vehemencia y palabras certeras. Con frecuencia se definía como iletrado, inculto e ignorante y se amparaba en esos argumentos para soltar su lengua irreductible, incómoda para muchos.
Hago memoria y creo que conocí a Rueda en 1983, en una cena, tras una charla de las Jornadas Universitarias de Fotografía (JUF) en Madrid. Estábamos en la cafetería de los apartamentos Villamagna y recuerdo que Jorge se dirigía a una mujer menuda:
- Cristinita, ¿en que año vas?
Rueda sabía que la interpelada, Cristina García Rodero, arrastraba un notable retraso en el revelado de los carretes en los que recogía sus, ya entonces,  abundantes reportajes.
Después de haberlo sido todo en Nueva Lente en los 70, Rueda, decepcionado por la situación cultural que rodeaba a la fotografía, se había recluido en la serranía de Ronda, en el remoto pueblo de Alozaína. La insistencia de Isabel Hernández, almeriense como el y delegada de fotografía del Roncalli, venció la resistencia del maestro y conseguimos contar con el para un taller y algunas charlas. No teníamos ni un duro para pagarle y recuerdo que nos exigió a cambio que le consiguiéramos una determinada maquinaria, creo que una pieza de una bomba, para el pozo de donde sacaba el agua para su finca.
Había conseguido el número de la única cabina de teléfono público del pueblo. Los viernes, a la hora del almuerzo, se sentaba junto a ésta, a esperar las llamadas de cuantos quisieran comunicarse con el.
A su llegada a Madrid nos contaba sus problemas de entonces: La huerta, el agua, su soledad no deseada y las peculiares relaciones con sus vecinos, a quienes hacía los trabajos de fotógrafo de pueblo, bodas, comuniones y los retratos de los muertos para las lápidas.
De alguna manera, me atrevo a pensar que rompimos su aislamiento y por temporadas volvió a vivir en Madrid donde tenía alquilada una pequeña buhardilla de techos tan bajos, decía, que no podía extender la antena de unos radio-cascos, tan de moda entonces, y que me intentó vender.
Fue por esos años cuando aceptó el encargo de Alberto Murias para dirigir Aquí Imagen, revista editada por la más importante cadena española de establecimientos fotográficos. Por sus páginas pasaron los mejores fotógrafos del momento y los más prometedores, se publicaron entrevistas imprescindibles, consejos profesionales y pruebas de material, en un formato de alta calidad en el que la mayoría de las portadas las firmaba el propio Rueda. Por esa época coincidimos bastante en la trastienda del Aquí de Príncipe 6, en la que estaba de encargado Diego López, y seguimos viéndonos cuando, más tarde, Diego abrió su propia tienda, Dilo en la calle Peligros.
Nunca quiso tener una cámara buena. Decía que eran carísimas y que no podía pagarlas. Cuando atendía encargos publicitarios adquiría una Hasselblad y la vendía después de terminar, cargando al anunciante la diferencia.
Todos los años acudía a las conmemoraciones del 20N. Se ponía unos tirantes con la bandera nacional y se mezclaba entre los asistentes con su cámara, buscando esas imágenes imposibles que luego publicaba. Recuerdo con qué ilusión acudió a la primera visita de Juan Pablo II a Madrid. “No me lo puedo perder. No todos los días se puede asistir a un espectáculo del siglo XVI en directo”
Se jactaba de haber pisado las cárceles de Franco. Contaba que le habían detenido por hacer fotos a una menor desnuda sobre una tumba y de noche…
Pero detrás del “showman”, del personaje provocador, había un Rueda humano, cordial y tierno; y un currante inagotable con una destreza profesional que dominaba los soportes que utilizaba y llegaba certero a las imágenes que se formaban en su cabeza. Su taller “Montaje en la toma, en la ampliación y en la copia” en las III JUF, fue todo un despliegue de recursos que hoy día nos haría olvidar muchas herramientas de Photoshop.
En su obra es fácil hallar las raíces del trabajo de muchos autores que ahora tienen un nombre en la fotografía. Surrealistas imágenes coloreadas, metáforas visuales, caricaturizaciones, desnudos convertidos en paisajes imposibles…
Con la llegada del digital le perdí la pista y no volvimos a vernos. Hace un par de años Laura Terré me comunicó que estaba bien y que seguía presente en Facebook donde volvía a esgrimir su espíritu crítico y sus delirantes intervenciones. Rueda en estado puro.
De pronto un post breve, pero contundente, el 22 de octubre, fueron sus últimas palabras publicadas en Facebook:
“Nunca me faltó la salud. Pero hoy, atrapado por cruel y grave enfermedad, voy a ir teniendo crudo seguir conectándome a esto. Así que, agradezco de antemano vuestra condolencia. Con mi más tierno deseo. SALUD PARA TODOS. Jorge”
El 11 de noviembre, a través de Antonio Tabernero, me llegó la confirmación de la triste noticia. Realmente no la esperaba. Pensé que el eterno burlador también burlaría a la enfermedad y se reiría de ella con nosotros. La fría acogida en los medios, apenas unas breves líneas y no en todos, contrastaba con la presencia de la noticia en las redes. La página de Rueda en Facebook se convirtió en la mejor manifestación de duelo de la fotografía española. Todavía esta abierta y ojalá sea para siempre.
A través del blog de Manuel López, (quien escribió la necrológica más ajustada al auténtico Rueda, según mi opinión), nos llegó la confirmación de la ejecución de las últimas (y más dolorosas) voluntades del maestro: la total destrucción de toda su obra, digital o analógica, “para que las alimañas carroñeras que me acosaron en vida no se aprovechen de mis despojos” y, aún más cruel, la eliminación de las cenizas de Rueda, volcadas en un contenedor de basura.
Dos últimos gestos que rubrican la rabia, el tormento interior, que sufría Rueda.
Se fue muy joven. La vida le robó esos últimos años que hubieran servido para serenar su obra, para, quizá, reconciliarle de algún modo con ese mercado que le ignoró tantas veces y con esos gestores culturales a los que nunca agradó.
Sus últimas voluntades nos deberían hacer reflexionar sobre el estado de la fotografía, ahora arropada por los galeristas y las ferias, pero huérfana, como siempre, de las ayudas del estado. Sin un museo propio, sin normativa legal, sin apenas reconocimiento y con esos Premios Nacionales ante los que se han levantado (casi) todas las voces expertas. La desaparición de Rueda nos deja sin la posibilidad del galardón máximo a quien fue maestro y vanguardia de tantos, a quien tiró del carro de la fotografía en los momentos más duros, incomodando posturas y alertando conciencias. La cultura española le debe mucho a Jorge Rueda.
No se me ocurre mejor forma de cerrar estas líneas que robarle a otro maestro, Carlos Villasante una magnífica imagen de despedida de Rueda, publicada cuando este terminaba su relación con la revita Aqui Imagen.
El próximo martes 13 (!) de marzo nos reuniremos en Alcobendas a recordar tu vida y a ver algunas de las pocas que imágenes que te sobreviven. ¡Larga vida a tu memoria, Jorge!

El pasado 13 de septiembre disfrutamos de la oportunidad de fotografiar una serie de bodegones de comida japonesa en el restaurante Samurai en Madrid, para su futura web, actualmente en construcción. La sesión resultó muy interesante y pensamos que además muy satisfactoria para las necesidades del cliente.

La fotografía gastronómica es una de las especialidades más exigentes de la profesión. Como ya apuntábamos en Facebook, no sólo se trata de fotografiar alimentos excelentes y bien presentados, sino que además nuestras imágenes deberían reproducir la textura, el aroma, el sabor…, de forma que resulten más atractivas para el público consumidor.

La fotografía digital actual ha alcanzado una alta calidad de representación, pero todavía ni huele, ni sabe, por lo que es necesario aportar estas sensaciones a través del uso de encuadres e iluminaciones que aporten texturas y formas atractivas.

Cuando contemplamos imágenes de alimentos resulta sencillo saber cuáles de estas son buenas, ya que generarán diversas reacciones fisiológicas cercanas a las que percibimos antes de ingerir los alimentos fotografiados. Aunque pueda parecer sorprendente, pensamos que es muy importante conocer el sabor del plato antes de abordar su fotografía. No se trata de una forma oportunista de invitarse al almuerzo o cena correspondiente, sino la forma de establecer una relación con el sabor que nos sugiera la iluminación idónea, la puesta en escena más adecuada, los brillos, las texturas que debemos destacar.

En el caso de comidas exóticas o sofisticadas es, además, indispensable la colaboración del chef o del jefe de sala que nos oriente en la perfecta presentación del plato, los acompañamientos, cubiertos, vestuario de mesa, etc.

En definitiva, se trata de intentar superar las limitaciones de la bidimensionalidad de la imagen fotográfica para dotarla de otros “valores añadidos” que nos la hagan más cercana, más completa y más convincente.

El pasado mes de junio se celebró durante una semana en Logroño, Fotoconservación 2011, congreso internacional que convocó a los principales especialistas mundiales en la conservación del patrimonio fotográfico. Entre los ponentes del congreso, dirigido por Angel Fuentes, destacó la presencia de figuras como Henry Wilhelm, Bertrand Lavedrine, Anne Cartier-Bresson, Paul Messier, Nora Kennedy, Peter Mustardo, Joan Boadas i Raset, Jesús Robledano,Fernando Osorio y Debra Hess Norris. Cerró la conferencia internacional Grant Romer, considerado uno de los “padres” de la conservación fotográfica, a quien se le tributó un caluroso homenaje.

La UCJC y B19 estuvieron presentes en el mismo, para dar a conocer al sector el recién creado Máster en Gestión y Preservación Fotográfica.
Nuestro programa fue valorado muy positivamente por la mayor parte de los ponentes y asistentes al congreso, a quienes se entrego información detallada del mismo.
Uno de los aspectos que se abordaron en el congreso fue la escasa formación especializada en el tema, por lo que nuestro Máster se hizo muy presente en los debates.

Agradecemos a la organización de Fotoconservación 2011 (un saludo a la Casa de la Imagen) la ayuda prestada durante nuestra estancia en Logroño.

Los seis, de incógnito

El pasado lunes 9, citamos a los seis Photomasters en nuestro plató de B19. El objetivo era tener con ellos una sesión de retratos individuales y de grupo para la web – http://www.photomasters.es-y para los necesarios temas de promoción del proyecto.

La sesión fue más que agradable y los resultados, que ya podéis juzgar por vosotros mismos, muy interesantes. Me consta que todos se encontraron muy bien en las fotos seleccionadas.

En muchas ocasiones, fotografiar a fotógrafos es mucho más complicado que a otras personas. Yo mismo, cuando me ha tocado posar, he sido incapaz de dejar de preocuparme por los temas técnicos, la luz, el encuadre, el ángulo de toma…en vez de confiar en la capacidad de mi colega de resolver todos estos aspectos.

Pese a lo expuesto, todos abordaron con entusiasmo la sesión y se sometieron a nuestras indicaciones con entrega y lbuen ánimo, permitiéndonos obtener los resultados deseados.

Pero no quería dejar de comentar un aspecto que estoy seguro que os interesa: todo el grupo está muy motivado con el viaje. Los comentarios sobre los distintos aspectos de la preparación del mismo, la música, los textos, las proyecciones, el autobús, las paradas, las visitas… son apasionados, con la misma ilusión que si fueran a realizar un viaje fotográfico por primera vez.

Por ello estamos seguros de que Photomasters on the road va a ser un viaje inolvidable, lleno de sabiduría y experiencias, que generará unos frutos fotográficos de primer nivel. Para muchos, habrá un antes y un después de Portugal 2011.

¿Te lo vas a perder?

Saludos a todos.

Hoy se lanza el nuevo proyecto de B19 Fotografía en colaboración con seis de los más prestigiosos fotógrafos españoles: Julio Álvarez-Yagüe, Evaristo Delgado, José María Díaz-Maroto, Ángel Sanz, Manuel Sonseca y Pepe Franco.

Se trata de un taller de fotografía de viajes que se desarrolla mientras nos desplazamos por Portugal a bordo de un autobus con seis de los mejores fotógrafos de esta disciplina.

Una ocasión única de viajar al lado de especialistas en el reportaje urbano y de aprender de los maestros en tiempo real.

Un autobús, 6 profesores, 7 días, 2.500km y una organización dedicada a que esta experiencia sea única para tí.

Recrea el espíritu de los viajeros románticos del XIX. Mirar, respirar, disfrutar y fotografiar.

http://www.photomasters.es/

Sin título, 1998

El pasado viernes estuvimos viendo la exposición de Adam Fuss; se trata de una recopilación interesantísima de procesos fotográficos que permiten al espectador apreciar una estética en muchos casos casi extinta. La obra de Fuss representa la posibilidad de crear imaginería contemporánea con técnicas del pasado. Una recreación de la belleza que él ve y que transmite un carácter metafísico en sus imágenes.  Aunque no se trata de una alegato contra la tecnología, como afirman desde la fundación, si que el uso de esas técnicas le permite expresar ideas de otra forma imposibles. Una visita a las salas que contienes las piezas nos permite darnos cuenta de la importancia de las técnicas fotográficas en desuso que este autor ha hecho resurgir: las imágenes nos hablan de un mundo en el que los objetos cobran volumen y tiene colores extraños, y texturas poco corrientes.

Para Allegra, de la serie Mi Fantasma 2009

Fotografías de objetos cotidianos representados de formas, sino desconocidas, al menos poco esperadas.Para aquellos que conocemos la historia de la fotografía y de los medios y materiales que se han usado durante sus casi dos siglos de existencia, supone un disfrute visual; y para aquellos que desconocían estas técnicas, se trata de una buenísima oportunidad de conocerlas. La exposición se complementa con un glosario constructivo y perfectamente explicado de las técnicas usadas en las piezas que componen la exposición. Estará en la Fundación Mapfre hasta el 17 de abril.

Sin ningún espíritu involucionista pretendo reseñar aquí alguna de las (no muchas) ventajas que suponía para el fotógrafo el no poder visualizar su trabajo de modo inmediato tras la captura de la imagen.

Imaginemos que estamos en el estudio realizando unos retratos. Es imposible evitar hoy día que los modelos intenten ver a través de la pantalla de la cámara sus fotos. Si además estamos atendiendo a un encargo será una cortesía, y una herramienta, que el retratado opine sobre los resultados e, incluso, sugiera y exija una repetición porque no “sale” bien. Ello garantiza la satisfacción, pero implica al mismo tiempo una merma importante de la capacidad de decisión del fotógrafo que deja de seleccionar sus resultados y le convierte en un “fotomatón” al que el cliente le echa unas monedas para recibir unas copias mas tarde. Han sido muchas las veces que he estado presente en la selección de resultados ante una hoja de contactos y se que en ese caso el cliente, que no está formado para ese trabajo, pocas veces tiene la razón. Lo mismo sucede ahora mismo. A pesar de que las pantallas sean cada vez más grandes y fidedignas sólo el fotógrafo experto es capaz de prever los resultados que la toma va a generar al ser impresa.

Si hablamos en términos de seguridad en ello podemos encontrar otro importante cambio de actitud. Con la película sufríamos un periodo, unas horas, de incertidumbre, desde que efectuábamos la toma hasta que recogíamos los resultados, bien en nuestro cuarto oscuro o en el laboratorio que nos procesara los trabajos . De poco servía el Polaroid de prueba, cuyos resultados teníamos que aprender a valorar, ya que, entre este y la copia final había oportunidad para muchos accidentes irreversibles. Disparar todo por duplicado, incluso con doble equipo, era la única forma de garantizar unos resultados infalibles o al menos reducir mucho las posibilidades de perder un material. Por todo ello el fotógrafo adquiría patrones de conducta muy rigurosos (rozando lo paranoico) en la mecánica de carga, el rebobinado, la datación, el envío y la recogida de materiales. Y lo mismo en el cuarto oscuro. Un error en los químicos, en la temperatura o en el secado podían ser fatales.

No quiero decir que ahora se trabaje de modo menos riguroso, pero, desde luego, se vive con menor presión. Hasta que te falla la primera tarjeta ya disparada. Es cuando empiezas a valorar los costosos equipos que disponen de doble ranura. Y surge entonces una duda, propia de los sabios artículos de Valentín Sama: ¿Serán iguales las capturas de las dos tarjetas trabajando en paralelo?

A destiempo, de Rafael Navarro, la primera exposición en digital y en color; un cambio en su trayectoria, o mejor dicho, una investigación en las posibilidades de un nuevo lenguaje.

La Colección, es precisamente eso, una mínima parte de la colección de fotografías de otros autores que Rafael ha ido acumulando a lo largo de los años, a través de intercambios, compras, regalos, etc.

Se inaugura hoy a las 20:00h en el Paraninfo de la Universidad de Zaragoza.

Os esperamos.

Texto del catálogo de “La Colección” comisariada por Angélica Soleiman

Jose Ferrero Villares

Una colección es un conjunto ordenado de cosas, por lo común de una misma clase y reunidas por su especial interés o valor; así define la RAE, en su diccionario, el término colección. Para nosotros, sin embargo, colección adquiere un significado que llega mucho más lejos. En lo emocional, abarca retazos de historias, recuerdos de personas, de lugares y de situaciones. Y si contemplamos la parte material, contiene fragmentos de la Historia de un arte como es la fotografía. Dentro de esta colección convive la obra de distintos artistas, unos más conocidos que otros, o más valorados, o más universales. Pero todos, y cada uno, han aportado algo a este medio.
La colección de Rafael Navarro se inicia hace ya más de treinta años, cuando, en los primeros pasos de su carrera artística abordó una práctica frecuente desde el principio de la fotografía: el intercambio. ¿De dónde viene esta costumbre? En los “Camera Club” del siglo XIX, entendían que compartir conocimientos era una de las maneras de hacer que la fotografía evolucionase. Sus miembros coleccionaban imágenes hechas con nuevos procesos o con mejoras de otros antiguos. Los socios se intercambiaban imágenes, junto a anotaciones sobre el procedimiento técnico seguido. Actualmente, casi un siglo después, el intercambio es una actividad destacada de la comunidad artística. Intercambiar pieza por pieza, entre autores o amigos.
La fotografía, a pesar de ser un arte mediatizado por una herramienta, la cámara, no deja de ofrecernos una visión particular del mundo; una elección de encuadres, luces, situaciones, personas, etc. únicos en cada momento y específicos de cada artista. Por tanto, si, como decimos, una fotografía contiene una parte de quien la ha hecho, intercambiar fotografías es intercambiar retazos de uno mismo.
La pequeña selección que se presenta en esta exposición no es característica, ni definitiva; no es una muestra de fotografía española, ni internacional, ni contemporánea, ni clásica; es solamente una selección posible, como lo son tantas otras. Grandes nombres al lado de otros menos conocidos, que se reúnen con el propósito de permitir al espectador acercarse a la fotografía, o, al menos, a la parte personal de cada autor de las fotografías, al mismo tiempo que permiten conocer algo mejor a quien las colecciona.
La colección de Rafael Navarro está formada por un compendio diverso de autores y géneros, cuyo único nexo en común es haber formado parte de su vida fotográfica. Cuando se empieza una colección, muy pocos saben en qué dirección orientarla: algunos la apoyan en el propio criterio estético, otros acuden al mercado y la conciben como forma de inversión; otros crean colecciones enciclopédicas que permitan explicar un artista, un periodo, etc. En el presente caso nos encontramos ante una colección cuya única finalidad es guardar los recuerdos de las experiencias vividas.

Vari Caramés

Recuerdos de fotógrafos como Graciela Iturbide, Flor Garduño o Korda que nos hablan de los viajes y las exposiciones realizadas por Latinoamérica, del tiempo pasado en Cuba, en México, de amistades y de admiraciones.
De compañeros de aquel primitivo grupo Alabern (Manel Esclusa, Joan Fontcuberta, Pere Formiguera y Rafael Navarro) y los que se incorporaron después Tony Catany, Koldo Chamorro y Humberto Rivas.
Recuerdos de viajes por Europa, puerta abierta al mundo para los fotógrafos que empezaban en los años 70, quienes, cada año, acudían a citas indispensables como Les Reencontres de Arles donde se encontraban con compañeros y colegas, amigos y conocidos y donde se llevaban a cabo muchos de los intercambios, y donde, al estilo de hace años, uno no sabía en casa de quién iba a cenar cada noche. Intercambios de amigos como Lucien Clergue o Jean Dieuzaide, fundamentales en la creación de Arles. Contactos con editores y coleccionistas que acudían cada año a esta cita a encontrarse con artistas a los que comprar obra o incluir en publicaciones.
De su participación en la Real Sociedad Fotográfica de Zaragoza, donde conoció e intercambió obra con, entre otros muchos, Jose Luis Mur, Francisco Albalá y Jose Antonio Duce.

Manuel Sonseca

Y siguiendo la estela de estos primeros fotógrafos que, como Rafael iban a Arles en busca de opiniones y contactos, aparece la siguiente generación de fotógrafos como José María Díaz-Maroto, Manuel Sonseca o José Ferrero Villares y un largo etcétera
Un aspecto desconocido para aquellos que no están familiarizados con la costumbre del intercambio es la generosidad que conlleva; un intercambio supone que dos autores acuerdan un trueque, más por un tema personal, de relación amistosa, que por la cotización que dicte el mercado. En un intercambio no se tiene en cuenta el precio de una obra, ni si es pieza única, ni si se trata de la última de una edición: un intercambio es una demostración de que por encima de todo, lo que se anhela es compartir con otro. Esta generosidad se ve reflejada en una anécdota protagonizada por el maestro Manuel Álvarez Bravo quien, al enterarse de que Rafael deseaba adquirir una fotografía suya, la que se expone hoy aquí, le dijo que estaría encantado de hacer un intercambio con él; esto tuvo lugar hace más de 20 años, cuando el maestro mexicano estaba ya encumbrado en el mercado y Rafael, sin embargo, se encontraba en una temprana época de su carrera.
En la colección se encuentran también algunas piezas que han llegado a ella de otro modo: regalos de alumnos, que son prueba de la importancia del tiempo y la dedicación que Rafael Navarro ha empleado en compartir sus conocimientos, y, por último, algunas adquisiciones de piezas emblemáticas como son las de Edward Weston o Arnold Newman, autores, entre otros, que son referentes fotográficos de Rafael Navarro.
No es posible citar a todos los que integran esta colección, que son cientos, pero se les puede recordar de forma anónima. Y eso es lo que hace Rafael Navarro con esta mínima selección que hoy expone: exhibir la colección es exhibir sus amistades, su carrera, sus influencias y sus influenciados. Es una colección destinada a ilustrar, no tanto el gusto personal del coleccionista, sus pasiones e intereses, que también, sino la larga lista de amigos y conocidos, de compañeros de andaduras, que han estado presentes en su vida profesional a lo largo de los años. Disfruten ustedes de 56 porciones de la vida de Rafael.

Cada taller, a pesar de seguir un programa, tiene su vida propia. Este, inició su andadura el viernes 21, en el antiguo Instituto Jovellanos, recuperado ahora para diversos usos ciudadanos relacionados con el arte. El grupo era muy variado, en edades y en estilos, pero pronto se creó una empatía que fue el común denominador de los tres intensos días.

Comenzamos asomándonos al trabajo presentado por cada uno de los participantes, con comentarios de Angélica Soleiman, quien lleva el peso principal de este taller. Sobre la mesa, un abanico muy abierto de imágenes, donde estaban presentes desde el reportaje instantáneo hasta obra más conceptual, retratos, paisaje, desnudo,…

El sábado el grupo sufrió el vapuleo de uno de los ejercicios más duros del taller (y que no voy a desvelar aquí) pero logró salir airoso de la prueba. Para calmar las aguas visionamos una serie de ejemplos de proyectos fotográficos mientras definíamos las bases que soportan un trabajo concebido y desarrollado en este formato.

A estas alturas, el debate abierto se había establecido como el modo de avanzar del taller. Prácticamente todo el mundo aportaba sus visión, a veces su discrepancia, y defendía su postura. El sábado nos fuimos, porque nos echaron, una hora más tarde de lo programado y algunos continuamos con una cerveza en La Abadía.

Por razones de organización el domingo nos desplazamos a una nueva ubicación. Las antiguas escuelas de San Martin de Huerces, tras una acertada reforma ofrecen un cómodo espacio en el que abordamos la última jornada con mucha tarea por delante. Visionamos y dsicutimos la selección del ejercicio del sábado, almorzamos sobre la marcha mientras abordábamos temas de enmarcado, montaje y presentación. Hablamos de soportes de impresión con muestras aportadas por Marinella y Juan de kissbox, Javier de Nuart y Tomás de Canson (¡Gracias!).

Como final los alumnos recibieron el “encargo” de organizar una gran exposición con una parte de los fondos de la Comunidad de Madrid. Fotos en miniatura, una pared y muchas cabezas para diseñar un espacio expositivo y una línea argumental. Fue un momento de intenso debate que vino a confirmar lo mucho que habíamos aprendido y la variedad de lecturas posibles de una misma selección de obras.

Con la cabeza llena de buenas sensaciones iniciamos las despedidas. En la mirada de todos se reflejaba la intensidad del trabajo de tres jornadas, la ansiedad por “digerirlo” todo, la inquietud por poner en práctica lo visto…

Desde B19, Angélica y yo queremos dar las gracias a todos, organización, colaboradores y participantes. Siempre aprendemos algo en cada taller. Si además pudimos transmitir nuestros conocimientos, nuestra tarea está cumplida. Trabajar así es un lujo (y más con tocinillo de Grao, gracias Sofía!!!). Esperando ansiosos una segunda edición.

Nos encantaría escuchar vuestras opiniones. Las esperamos!!

B19.